Eduardo Galeano, não é artista plástico, designer ou arquitecto. É um dos nomes grandes da literatura latino-americana e aparece aqui entrevistado no programa “Sangue Latino”, do Canal Brasil, gravado em 2009. Autor de “As Veias Abertas da América Latina”, Galeano fala sobre a cidade de Montevidéu, onde vive, as grandezas e as menoridades da vida e também sobre a morte de seu cachorro…

Direção de Felipe Nepumuceno.

São vinte e poucos minutos que valem a pena.

Alexander Archipenko, “Carrousel Pierrot”, 1913

© Sala17/ António Marques 2012

É um jogo? É teatro? É desporto? É improvisado?….Sim!
“Duelo Improvisado” é tudo isto ( e muito mais) num só espectáculo.
Duas equipas transformam o palco numa arena, onde se irão defrontar através de cenas improvisadas.
Ao público cabe dar sugestões para as cenas e escolher o vencedor deste duelo improvisado!

Pretende-se com esta UT realizar uma série de ensaios experimentais relativos à aplicação da cor, suas misturas e possíveis associações.

Mais sobre a cor em:

http://sala17.wordpress.com/2009/12/30/a-cor-modelos-cmyk-e-rgb/

http://sala17.wordpress.com/2009/10/29/referencias-oa12-ut3-20092010-as-cores-da-cor/

Outras obras incluem o uso de materiais improváveis tais como fio e pregos, pegadas de sapatos e decalques de números de cartões de crédito!

O site da artista: http://kumiyamashita.com/

Kumi Yamashita traces figures with the most obscure materials. Her subjects include shadows on the wall or dirty prints from a pair of old boots.  Her graphic skills are amazingly well honed and the delightful images she produces are even more pleasing  because we doubt our eyes when we see how they are produced. In one installation lifelike forms of the human body in motion are produced by the most unlikely source. On the wall, illuminated by a single strong lamp, we can see an arrangement of ordinary 
children’s building blocks. Some are shaped like block letters or toy animals, but they are random forms in different sizes and shapes. Yamashita has arranged these so that each throws a particular shadow which, when taken with all the other precisely placed objects, astonishingly adds up to the illusion of reality.

Fonte/ Source: liverpoolbiennial

“HR Giger, artista suíço que transita por várias artes com desenvoltura impressionante, é daqueles artistas que, pelo conjunto de sua obra, pode ser considerado um enigma de classificação: qual o seu gênero? Em que se enquadra o artista? Com certeza, o ecletismo é uma de suas características, onde o lúgubre e o gótico moderno, permeado por imagens misturadas de corpos e máquinas futuristas, são uma das tônicas mais presentes. A vertente na qual iremos nos deter por ora neste artigo é a do erotismo na arte de HR Giger e sua inegável contribuição para a arte moderna.

Giger, sem dúvida, capturou a essência da alma da modernidade, suas contradições e as mais profundas manifestações desta verdade “escondida” do ser humano. Arte e tentação. Giger forjou um neologismo para essas manifestações dentro de sua obra pictórica e escultural, representando os vários distúrbios da civilização industrial no Ocidente, a que ele chama de “Biomecanoide”, caracterizado pelo inevitável progresso tecnológico que escraviza a humanidade, e seus hibridismos e simbioses com o mundo das máquinas. Ao longo do século XX, e se consolidando plenamente nesta primeira década do século XXI, a tecnologia moderna, especialmente nas áreas da medicina, da informática e da robótica, engendrou inventos que servem como extensões dos músculos humanos, de seu sistema nervoso, de olhos e ouvidos, de reprodução de seus diversos órgãos, numa junção entre a ciência da Biologia e elementos da Mecânica, onde a nanotecnologia também tem um aspecto inovador.

Giger percebeu isso ainda no final dos anos de 1960, quando já trabalhava com o conceito de biomecanoide, que caracteriza toda a extensão de sua singular arte. Os chamados arquétipos dessa sua arte primordial podem ser encontrados nas narrativas fantásticas do Fausto, do Golem da tradição hebraica e na criatura criada pelo Dr. Frankenstein, histórias que se confundem com a realidade e que fazem parte do inconsciente coletivo. Podemos exemplificar com a criatura do Dr. Frankenstein, que já está no imaginário de todos, sua imagem é clássica e não se dilui em nossa mente, basta lembrar do nome Frankenstein (que é o nome de seu criador, a criatura não tem nome!) que imediatamente temos a elaboração mental do ser monstruoso. Giger, artista visionário e inovador, também conseguiu isso na contemporaneidade: todos lembram da terrível criatura do filme ALIENS, sua mais notória criação. Giger transportou para sua arte a violência e a destruição sem precedentes do século XX, de guerras televisionadas, revoluções sanguinárias, genocídio, brutalidade de agentes secretos do Estado, regimes totalitários, incluindo a nova versão do terrorismo na modernidade…”

Jorge Bandeira em: Palavra do Fingidor

“H. R. Giger is recognized as one of the world’s foremost artists of Fantastic Realism. Born in 1940 to a chemist’s family in Chur, Switzerland, he moved in 1962 to Zurich, where he studied architecture and industrial design at the School of Applied Arts. By 1964 he was producing his first artworks, mostly ink drawings and oil paintings, resulting in his first solo exhibition in 1966, followed by the publication and world-wide distribution of his first poster edition in 1969. Shortly after, he discovered the airbrush and, along with it, his own unique freehand painting style, leading to the creation of many of his most well known works, the surrealistic Biomechanical dreamscapes, which formed the cornerstone of his fame. To date, more than 20 books have been published about Giger’s art…”

Fonte/ source: http://artmight.com/Artists/H.R.Giger-279c.html

Sites relacionados com o artista:

http://www.hrgiger.com
http://www.hrgigermuseum.com
http://www.giger.com

© sala 17/ António Marques 2012

Reparem como neste vídeo o desenhador representa uma hipótese provável de estrutura, reduzindo a configuração do objecto que pretende representar a um conjunto de formas geométricas simples. Só após este processo, começa realmente a desenhar a forma (contorno real) do objecto…

Fonte: draw23.com

© Sala 17/ António Marques 2012

O conceito de forma orgânica – “organomorfos” – que se define através de um conjunto de características formais presentes na natureza e que são reconhecíveis instintivamente,

O conceito de projecto – que se pode caracterizar pelo acto de ponderação e definição de uma ideia ou coisa antes da concretização prática dessa mesma ideia ou coisa…

Alguns exemplos de formas orgânicas modeladas…

Alguns talvez queiram ir buscar inspiração a uma fonte um pouco mais radical: Aqui

© Sala 17/ António Marques 2011

Se bem que melhoráveis, sobretudo no que diz respeito à reflexão sobre os resultados globais e na articulação de alternativas mais viáveis para obtenção de melhores resultados, estes relatórios definem de uma maneira correcta o que se pretendia com a unidade de trabalho e qual foi a metodologia de trabalho empregue. Bom trabalho!

Relatório crítico da Unidade de Trabalho 1 – “Letras”

 Esta unidade de trabalho foi dividida em cinco fases.

Na primeira fase era pedido uma ampliação correcta de uma letra à escolha. Eu escolhi a letra “t”. Para ampliar a letra utilizei proporções, ou seja, na folha dada, a margem da letra era de 4,3×2,1cm e a margem da letra ampliada, era de 37×17,5cm. A partir daí, apliquei proporções, por exemplo: 4,3 está para 37 assim como 1,1 está para x cm. Depois de estar ampliada até aos limites máximos da margem da folha (2 cm), era necessário dobrar a folha em seis partes iguais e, posteriormente dobrar na diagonal cada uma das metades da folha.

Na fase dois, pretendia-se dois suportes, com esboços da folha dobrada de diferentes formas. O primeiro suporte era a grafite e/ou lápis e o segundo era a caneta e/ou tinta-da-china. Eu utilizei todos os materiais propostos.

Em ambos os esboços eram necessários:

- Folha modelo com as respectivas dobras e vincos, sem representar a letra;

- Folha modelo com os contornos da letra, sem preenchimento a negro;

- Folha modelo com a letra a negro tal como é observada.

Para cada um destes registos mudei o ponto de vista e tentei utilizar técnicas diferentes em cada um deles. Nalguns o traço cruzado, noutros utilizava traços na mesma direcção, noutros ainda misturava a caneta preta com tinta-da-china.

Na terceira fase, executei uma representação do meu modelo, escolhendo um ponto de vista qualquer. Mas, esta representação era, unicamente, com lápis e/ou grafite. Nesta coloquei as sombras e diferenciei o claro-escuro. Quando pretendia representar negro, utilizava 4B, para obter cinzento-escuro 2B e para diferenciar este do branco, usava HB.

Fizemos ainda, uma fase 3,5 onde tínhamos 15 minutos para representar a tinta-da-china o nosso modelo de qualquer ponto de vista apelativo, tendo em atenção o claro-escuro e as sombras. Para estas, utilizei a técnica do pincel seco. Ou seja, comecei pelas partes escuras e depois, com um pincel seco, “transportava” a tinta de modo a ficar cada vez mais clara. De seguida, com o cinzento fiz o mesmo, ficando com várias “camadas”.

Na fase quatro era pedida outra representação do modelo noutro ponto de vista diferente mas, desta vez, a tinta-da-china e, de preferência, com a letra ilegível. Utilizei a mesma técnica da fase 3,5.

A fase cinco tinha como objectivo escolhermos um pormenor do nosso modelo e ampliá-lo ao máximo. Deveria ser pintado a tinta-da-china mas, desta vez não podíamos diluir em água, ou seja, o desenho era composto por negro sólido e branco. As partes escuras ficaram negras e as partes mais claras, sejam cinzentas ou brancas, não eram pintadas.

Penso que a fase quatro não me correu tão bem, pois não consegui diluir bem a tinta-da-china em água e, por isso, ficou muito “carregado”, isto é, mais escuro do que era pretendido.

Relatório crítico da Unidade de Trabalho 2 – “Nu a la grappe”

Esta unidade divide-se em duas fases, cada uma delas com vários objectivos. Mais uma vez, todas as folhas A3 são marginadas a 2 cm.

Durante este trabalho, fui consultando a imagem representada ao lado, fotografia de uma escultura “Nu a la grappe”.

Na fase um representei esta obra ampliada, tal como na Unidade de Trabalho 1. Mas, nesta unidade tentei arriscar e fazer a ampliação a olho nu, ou seja, sem medições. Apenas com alguns traços auxiliares.

Em diferentes folhas A3, representei esta obra a lápis/grafite, caneta de tinta preta e tinta-da-china a pincel tendo em atenção os valores de luz, sombra, volume e textura.

No registo a lápis/grafite comecei por pintar as partes mais escuras com 4B e fui aclarando com 2B e HB, respectivamente. Depois de pronto, peguei num papel e passei por toda a folha, dando um tom mais cinzento ao fundo com o objectivo das partes claras sobressaírem. Assim, utilizando a borracha, favoreci as partes claras e, com lápis 4B, sobrecarreguei as partes escuras.

Quando fiz o modelo a caneta de tinta preta, utilizei o processo dos traços cruzados. Ou seja, nas partes escuras juntei muitos traços e, para “aclarar” o desenho, fui separando os traços de modo a dar uma ideia de cinzento, até não fazer nenhum traço, para favorecer a luz da imagem. No fundo fiz vários traços livres, mais uma vez, para favorecer o que é realmente claro.

Por fim, no registo a tinta-da-china, utilizei a técnica das camadas. Isto é, fazia uma parte escura, sem diluir a tinta em água. De seguida diluí apenas um pouco em água obtendo um cinzento-escuro. Por aí em diante fui diluindo cada vez mais até obter transparente. Neste trabalho, esta foi a fase que me deixou mais desiludida, pois o resultado não foi como eu pretendia, talvez tivesse ficado melhor se tivesse utilizado outro método, como por exemplo o pincel seco.

Na segunda fase, utilizei um suporte de formato A2, onde marginei a folha a 3cm. Aí, representei a escultura da seguinte forma:

1º- Ampliei a imagem a lápis, ou seja, fiz um esboço;

2º- Pintei o fundo de um tom neutro de cinza, diluindo tinta-da-china em água;

3º- Ocupei o esboço feito em primeiro lugar com tinta sépia, sobrepondo o fundo neutro executado em segundo lugar;

4º- Com tinta acrílica preta, defini as zonas escuras da figura utilizando a técnica do pincel seco. Ou seja, pintei as zonas negras e fui “transportando” a tinta até as zonas claras e, ao mesmo tempo, o pincel vai ficando seco, fazendo um efeito de degradê.

5º- Utilizando acrílico branco, pintei as zonas mais claras e luminosas da figura utilizando o mesmo processo do acrílico preto.

Inês Miranda, 10ºR 2011/2012

© Sala17/ António Marques 2012